[도영의 한국어 공부방] 영상, 미학편 35 (교재 공개)

도영의 한국어 공부방

-생각하기 이해하기 실천하기-

 

영상, 미학편 35

 

337.*시나리오 분석

여러분은 여러분이 그리는 세계를 머리에서 끄집어 내어 생명을 불어 넣어야 한다.

시나리오 상의 글자들, 즉 대사와 지문은 행위와 감정의 밑에 깔린 방대한 심층세계에 대한 단서이다. 그 심층세계를 제공하는 일은 감독과 배우의 의무이자 특권이다.

시나리오 분석의 목적은 등장인물들이 어떤 사람이고, 그들에게 어떤 일이 일어나는지를 찾아내는 것이다. 그리하여 그들의 이야기를 들려주는 사람이 될 수 있어야 한다. 그러면 이해와 통찰력을 가지게 될 것이다. 그러면 배우에게 전달하면 된다.

시나리오 속의 인물들을 상투적인 인물, 고정관념적인 인물, 꼭두각시, 영화의 부속품, 혹은 마음대로 조종할 수 있는 극적 수단이 아니라 인간으로 생각해야 한다. 실생활의 사람들에게 인정해 주는 것과 마찬가지의 자립과 사생활을 등장인물들에게 허용하라. 그 결과 등장인물들은 활자화된 상태에서 걸어나와 내 상상 속에서 독자적인 삶을 갖게 된다. 그럴 경우 배우들을 감독하는 일은 사실상 재미있는 일이 될 수 있다.

어떤 시나리오를 연출하기로 일단 마음먹었으면 좋은 시나리오인 것처럼 그것을 다루어야 한다.

여러분은 평가를 멈추고 적극적으로 일에 뛰어 들어야 한다.

따라서 시나리오 구성에 대해 생각할 때 등장인물들을 ‘주인공’, ‘스승’, ‘적’ 따위로 규정짓는 경향이 있다면 지금의 시나리오 분석법에 있어서는 그런 범주들을 떨쳐 버리고 각 등장인물을 어떤 상황에 처한 인간으로 간주해야 한다.

1.시나리오를 처음 읽을 때의 자세-첫 느낌을 적어두라

2.작가 겸 감독

연출은 시나리오를 변형시키는 작업이다.

여러분은 작가의 모자를 벗고 감독의 모자를 써야하며, 마치 다른 사람이 쓴 것처럼 시나리오를 취급해야 한다. 그리고 배우들과 협력함으로써 자신들의 머리 속으로부터 또한 시나리오의 문자로부터 등장인물을 떼어내어 독자적인 생명을 갖게한다.

감독은 작가가 의도한 의미가 아니라 시나리오의 의미를 찾아 내야한다. 시나리오가 지닌 여러 단서들을 생명력 있는 영화로 변형시키는 일은 별개의 작업이며 글쓰는 재능과는 다른 재능을 요구한다. 어쨌든 그것들은 서로 다른 두 개의 재능이다.

3.지문편집

지문 stage direction을 편집, 지워버리고, 변형시켜야 한다.

①.등장인물의 내면적 삶을 묘사하는 지문들

결과 지향적 지문들, 즉 정서적 지문들. 모두 형용사이거나 부사이다. 감정전환 지시어거나 심리설명서이거나 감정설계표들이다.

이런 지문들은 연기 가능하지 않다.

심층세계를 만들어 내는 일은 감독과 배우의 작업이다.

시나리오를 처음 읽을 때 지문들을 지워 버려야 여러분의 스토리 상상력을 크게 자극할 수 있다.

②.플롯 전개에 전혀 영향을 미치지 않는 신체동작, 혹은 소품 활용 동작을 묘사하는 지문-모두 지워라

등장인물의 서브텍스트를 발견하는 일과 더불어 시나리오의 정서적 사건들을 물리적으로 표현해 주는 동작 및 활동을 발견하는 일은 정확히 여러분의 작업이다. 그것은 연기 및 연출이 추구할 수 있는 창의적 도전의 큰 부분을 차지한다.

③.등장인물의 개인적인 물건을 나타내는 지문

물건은 어떤 사람(등장인물)의 삶에서 매우 중요한 요소이다.

내면적 삶을 암시하는 형용사나 부사는 모두 지워버리되 등장인물의 삶 속에 들어있는 물건들에 대한 단서에는 동그라미로 표시해 둬라(액자사진 등)

④.뒷이야기의 사실들을 제공해 주는 지문

a.시나리오 속에 언급된 사실

이미 대사 속에 들어 있으므로 지워 버려라. 뒷 이야기 사실들은 수동적으로 제공 받기 보다는 ‘탐정작업’을 통해 추리해 내는 것이 훨씬 더 흥미롭고 창의적이다.

b.시나리오 속에서 언급되지 않은 사실

유용하거나 필수적인 실마리를 간직할 수 있어 기록해 둬라.

⑤.이미지를 제공하는 지문

동그라미 표시를 해 놓아라

⑥.정서적 사건을 묘사하는 지문

플롯에 영향을 미치는 사건을 말한다.

여러분은 모든 수식어를 지워버린뒤 그러한 지문은 남겨두어야 한다.

심리상태를 나타내는 모든 설명어(그는 고개를 돌리지 못한다.)를 정서적인 사건(그는 고개를 돌리지 않는다.)으로 옮겨 놓아야 한다. 묘사적 지문을 편집하여 사건으로 옮겨놓고 표시해 둬라. 그러한 지문들은 대사에 의해서는 드러나지 않는 정서적 사건들을 제공해 준다.

동그라미;이미지, 사실, 물건들, 정서적인 사건

지문을 짜깁기하여 실마리를 찾아내야 하며 지문을 지시로 읽어서는 안된다.

잘 쓰여진 생생한 지문은 동사, 사실, 이미지, 사건, 그리고 물리적 과제를 활용하며 형용사와 설명어구는 되도록이면 피한다.

(‘피곤한 표정으로’ 가 아니라 ‘그녀는 안경을 벗어 눈을 문지른다.’라는 식으로)

많은 배우들은 습관적으로 모든 지문을 지워 버린다. 그렇게 함으로써 무의식 상태에서 등장인물의 정서적 삶을 구축할 자유를 확보한다.

4.첫 느낌들

큰 소리로 천천히 읽어라

등장인물이 되려고 애쓰지 말고 자신을 검열하지 말고 여러분의 말에 귀를 기울이지 마라

글자들과 친해져라(즐겨라). 그것들을 느껴라. 지문을 읽지마라. 마음을 열어 놓고 읽어라.

①.등장인물을 자기 것으로 만들기

감독 역시 모든 등장인물 하나하나를 자신의 것으로 만들어야 한다.

대사가 여러분 자신의 몸 안에서 숨결과 목소리를 갖도록 하라.

대사를 문자 상태에서 떼어 내도록 하라.

②.1인칭 문장으로 옮겨 표현하기

등장인물의 대사를 여러분 자신의 말이 되도록 만들어라. 이것은 등장인물을 여러분의 것으로 만들고 등장인물에 대한 여러분의 직관에 도달하는 것이다.

감독들이 시나리오를 처음 읽는 동안 이런 식의 옮겨 표현하기를 어느정도 해야한다.

모든 장면보다 시간이 허용하는 만큼만 즐거운 마음으로 해라.(도표 1., 3.항), 의무감 느끼지 마라. 이 작업이 경험이 되도록 만들어야지 단지 정보로 남게 해서는 안된다.

옮겨 표현하기 연습의 목적은 여러분이 생각으로부터 빠져나와 직관의 영역으로 들어가도록 해주는 것이다. 그것은 등장인물에 대해 선입견(거부감)을 지닌 배우를 부드럽게 설득하기 위해서 혹은 배우의 경직된 해석을 누구려 뜨리기 위해서도 사용될 수 있다.

배우에게 ‘이 인물에 대해 어떻게 생각하세요? 그를 좋아 하나요?’ 부정적인 대답이면 ‘지금 한말 다시 해 보세요. 주어를 ’나는‘으로 바꿔서 말이죠’라고 조용하게 말하라.

③.‘그것은 단지~일 뿐입니다.’와 ‘나는 ~라고 추측합니다.’

예술가의 가장 큰 두 적이다.

우리들의 예술적 목표는 인간적인 사건들을 조명하는 것이지, 협소하게 규정짓는 것은 아니다.

‘명백히’는 또 하나의 금기어이다. 좋은 시나리오에서는 그 어느것도 명백하지 않다.

실제 인간과 마찬가지로 등장인물은 미묘하고, 제멋대로이고, 모순으로 가득차 있고, 자기인식이 부족하다. 영감을 해치는 또 다른 수식어는 ‘근본적으로’, ‘잠재적으로’, ‘~한 편이다.’ 등. 여러분은 여러분의 모든 생각을 규정짓고 쐐기박아 놓아서는 안된다. 대신 여러분 스스로를 무슨 일이든지 저지를 수 있는 한 인간으로 생각해야 한다.

또한 그 어떤 것도 추측해선 안된다. 조사하라. 상상하라. 그런 뒤에 선택하라.

④.세 가지 가능성 떠올리기

논리는 상상력을 가로막는 심각한 장애물이 될 수 있다.

대사가 의미할 수 있는 세 가지 가능성을 적어 보아라(논리 안맞는 대사 발견시)

옳은 답을 찾으려 애쓰지 말라

여러분의 생각에 대해 평가를 내리지 말고 그냥 적어라. 그렇게 하는 이유는 정답을 찾기 위해서가 아니라 상상력을 가동시키기 위해서다.

이 기법이 요긴하게 사용되는 경우는 대사가 진부할 때, 상투적이고 연극조일 때, 그 속에서 어느정도 진실과 서브텍스트를 찾아내기 위해 사용한다.

배우가 공감하지 않거나 다르게 해석해도 평정심 잃지 않을 것이다.

배우가 대사에 거부감을 가질 경우 세 가지 가능성을 찾아내는 기법을 통하여 그의 상상을 촉발시키도록 해라.

⑤.대사 너머의 현실(사실)

알쏭달쏭한 대사를 이해하는 또다른 방법은 그것이 가리키는 사실 또는 사건을 살펴보는 것이다. 그것은 싫어하는 대사 뿐만 아니라 좋아하는 대사에도 적용시켜야 한다. 그것은 대사의 재치나 시적 표현에 도취되어 그 대사 너머의 현실을 살피는 일을 망각할 수 있기 때문이다.

여러분은 그런 대사를 가장 효과적으로 말할 수 있는 방법, 즉 그것의 아름다움을 드러낼 수 있는 방법을 추구하는 것이 아니라 그 대사 너머의 현실을 찾아 내도록 해야 한다.

⑥.여러번 다시 읽으면서 아이디어들을 떠올릴 것

지문 읽지말고 연기하려하지 말고 많이 읽어라.

5.불변요소;사실과 이미지

이 두 요소는 시나리오의 뼈대(토대)를 이루고 심층세계로 이끄는 마법과 같은 열쇠며 연출 지시를 내리는 훌륭한 방법이 될 수 있고 연기의 틀을 잡고 심화시키는 뛰어난 도구이며 배우들과의 논쟁도 막아준다.

또한 배우가 등장인물을 평가하지 못하도록 한다.

불변요소들;사실과 이미지

①.사실 및 증거

사실이란 이미 일어난 사건, 혹은 장면이 시작되기 전부터 존재하고 있는 상황(등장인물의 상황)을 말한다. 사건은 장면 속에서 일어나는 일들인데 일단 일어나고 나면 사실이 되어 버린다.

등장인물의 마음상태와 관련된 내용은 사실이 될 수 없다. 그것은 선택, 혹은 해석일 뿐이다.

대사 이면에 놓인 사실을 해독하는 것을 ‘대사를 정당화 하기’라고 부른다.②.의문점

의문점을 적어라. 그리고 속단하지 말고 질문을 던저라.

어떤 일에 대해 한 가지 이상의 설명이 가능하다면 그것은 사실이 아니다.

수많은 가능성을 열어 놓은 일은 스토리 상상력을 활성화 시키고 여러 선택의 대상들에서 선택을 내릴 수 있도록 준비할 수 있기 때문이다.

종종 감독들은 등장인물이 지니지 못한 속성(친구가 없다...)을 통해 등장인물을 묘사한다.

사회에서 ‘느리다’고 간주되는 등장인물이 일부러 느리려고 노력하는 것은 아니다. 따라서 느린 상태를 단지 관념적으로 보여주려고 애쓰는 배우는 등장인물을 얕잡아 보면서 결과 상태(그 인물에 대한 사회의 평가)만을 연기하고 있다. 대개 그런 사람(등장인물)이 하는 행동(등장인물의 목표)은 빠르게 반응하려고 발버둥치는 일이다. 배우는 등장인물이 느리다는 사실을 절대 관객들에게 제시해서는 안된다. 대신 등장인물이 자신에게 주어진 운명에 대처해 나가는 과정에 전념해야 한다.

모든 등장인물에 대해 특정 질문을 던져야한다.

이 인물의 똑똑한 점은? 어떻게 노는가? 어떤 예술가적 기질이 있는가? 무엇을 가장 두려워 하는가? 어떤 직업을 선택했는가 혹은 갖고 싶어하는가? 누구를 존경하는가? 그에게 일어났던 가장 큰 사건은 무엇인가? 일을 잘 하는가? 친구가 있는가? 무엇에 흥미를 느끼는가? 어떤 성적 경험을 겪었는가? (기억, 좋아하는 것과 싫어하는 것-음식, 관심, 물건... 비밀-사건, 콤플렉스, 목격)

대부분의 경우 등장인물에 생명을 불어 넣는 한가지 중요한 방법은 심각한 인물로부터 유머감각을 끌어내고 코믹한 인물로부터는 진지한 면을 끌어내는 것이다.(역으로)

시나리오는 지적 받으면 다시 쓰지 마라. 대신 질문을 던지고 상상의 날개를 펴고 이야기를 엮어 나가라. 그리고 잊지 말아라. 배우들을 연출하는 가장 좋은 방법은 질문을 던지는 것이라는 사실을

③.조사

의문점을 밝히려면 조사가 필요하다.

a.외적인 조사-단어, 개념, 사전찾기

b.내적인 조사-내면, 즉 여러분의 경험, 관찰 그리고 앎을 조사한다.

④.이미지와 연상

a.주제를 드러내기 위해 작가가 사용하는 이미지

b.각 등장인물이 제공하는 개인적인 이미지

이미지 및 연상 연습의 기저에는 사람들이 말하는 사물들은 그들의 진짜 생각이 무엇인지, 그들에게 무엇이 중요한지. 그들의 관심과 욕구가 무엇인지에 대한, 즉 그들이 하는 행동을 초래케 하는 것에 대한 좋은 지표라는 것이다. 이 연습은 등장인물의 감정저장 탱크를 들여다 보게 해준다. 또한 선택으로 발전될 수도 있는 의문점과 아이디어들을 제공해 준다. 또한 등장인물이 그런 단어들을 말하는 동안 겪을지도 모르는 경험 속으로 우리를 데려간다.

제목을 보면서 우리들은 주제와 관련된 이미지들을 찾아 내야한다.

장면 중에 나오지 않는 사람, 장소, 사물들에 대해 기록해 두는 것이 좋다.

배우는 장면에 등장하지 않는 모든 사람 및 사물들에 대해 대체물을 정해 놓을 필요가 있다. 여러분은 이런것들을 적어 놓은 뒤 나중에 캐스팅할 때 활용하라. 대사 표면 아래의 내용을 살펴야 한다.(행간)

6.상상에 의한 선택

①.내력(뒷 이야기)

질문은 상상을 통한 뒷이야기에 도달하게 해주는 도구이다.

등장인물들의 기억에 특히 관심을 가져라. 기억을 완전한 사실로 받아들여선 절대 안 된다. 거기에는 항상 소망과 상상이 깃들어 있기 때문이다. 하지만 기억에는 또한 진실이 항상 담겨있다. 때때로 진실은 사실보다 더 심오할 수 있다.

여기에서 우리가 얻고자 하는 것은 배우가 등장인물의 상황에 대해 믿음을 갖도록 해주는 스토리(사연)들이다. 감독에게 있어 시나리오 분석을 하는 한 가지 중요한 목적은 그러한 스토리들을 생생하고 느낌있게 전달할 수 있도록 준비하기 위해서이다.

상상에 의한 선택들

②.장면 직전에 일어난 일

그 전 장면과의 사이에 시간의 경과가 있을 경우.

화면 바깥에서 전개되는 등장인물들의 삶에 대한 탐구의 일환으로 말이다.

③.목표/의도/욕구

그냥 적어라. 여러 가지로 목표를 아니면 정반대의 목표를 적어 보아라.

각 등장인물은 매 씬마다 하나씩의 목표를 가진다.

④.논란거리/걸려있는 이해/문제/심리적 장애물

등장인물의 ‘감정적 구체적 계기’ 혹은 ‘1차관심’은 반드시 장면중의 상대방 인물일 필요는 없다.

⑤.행동동사

등장인물이 자신이 원하는 바를 얻기위해 하는 행동을 말한다.

종종 비트가 바뀌면 행동동사도 변한다.

⑥.가정적 심리상황

a.마치~인 것처럼-비유적 상황

b.~할 때와 같은-유사상황

c.~라는 사실을 가정하면 어떨까?-상상을 통한 뒷이야기

⑦.서브텍스트

서브텍스트는 어떤 가정적 심리상황이나 목표를 떠받치면서 그것이 효력을 나타내도록 도와준다. 아니면 그것은 어떤 대사에 의미를 부여할 수도 있다.⑧.물리적 삶(행동, 신체, 의상, 환경, 물건)

배우는 물리적 삶을 통해 그 자신과 다른 시대에 사는 등장인물을 만들어 나간다. 고려해야 할 다른 유형의 물리적 삶은 신체비밀이다.

여러분은 배우들에게 인물구축을 위한 이 모든 요소들을 말해 줄 필요없다. 그토록 많은 항목들이 존재하는 이유는 여러분에게 융통성을 제공해 주기 위해서이다. 한 가지 이상의 접근 방법을 가지고 있는 것이 좋다. 하나의 방식이 효과가 없더라도 예비방식에 기댈 수 있기 때문이다.

특정 도구의 선택은 시나리오의 스타일을 잘 살려주기도 한다.

배우가 선택에 대한 생각을 여러분은 단정적으로 ‘바로 그거예요(아니예요)’라고 반응해선 안된다. ‘한번 시도해 봅시다.’ 그리고 시도한 뒤에 ‘그것 괜찮군요’ 혹은 ‘계속 찾아 봅시다.’

7.사건

모든 씬에는 하나의 주된 정서적 사건이 들어 있다. 즉 무언가 일어난다. 아무 일도 일어나지 않으면 버려라. 감독은 어떤 정서적 사건이 일어나도록 하고 각 씬의 사건들을 연결시켜 스토리를 만들어 낼 책임이 있다.

각 씬의 사건을 찾아내는 유용한 방법은 씬을 비트(beat=단위 units 씬을 잘게 분할한 조각)로 분할하는 것이다.

비트를 구분하는 방법은 ‘화제’다. 화제가 바뀌면 비트도 바뀐다.

분위기의 변화를 찾아내서 비트 결정할 경우 단점

a.분위기는 주관적이다. 논쟁을 벌이기 쉽다.

b.감정 설계표 작성과 비슷하게 될 위험

감정 설계표 만들어선 안된다. 여러분은 그 씬을 이루는 일관된 정서적 구조를 찾아내야 한다. 여러분은 씬이 다루는 주된 내용과 씬의 주된 정서적 사건을 찾아내야 한다.

사건

비트의 수는 다양할 수 있지만 보통 세 개(시작, 중간, 마지막)이다.

주요 비트는 시나리오 구조를 이해하기 위해 유용하고 리허설 단위로서도 유용하다.

감독은 정서적 사건을 파악하고 이끌어 낼 줄 알아야 한다. 관객들을 스토리에 몰입시키는 것이 정서적 사건들이기 때문이다. 하지만 여러분은 구체적 사건을 망각해서는 안된다. 그것이 씬에 생생한 삶을 불어 넣기 때문이다. 간단한 구체적 사건이 느껴지지 않을 때 그 씬은 지나치게 주제의식에만 사로 잡히게 된다.

비트변화는 어떤 식으로든 동작, 혹은 행동동사의 변화에 의해 강조될 수 있다.

등장인물의 활동은 그의 감정변화를 위해 어떤 물리적 맥락을 만들어 준다.

여러분이 시나리오 비트를 연기 비트로 사용하든 않하든 간에(안하는 것이 바람직) 여러분이 시나리오 비트(구성)을 찾아내는 일은 필수적이다.

씬의 구성을 탐구함으로서 씬을 연출할 수 있도록 준비하는 것이다.

8.시나리오의 주된 내용

이미지와 사건들은 이 핵심질문에 대한 단서들이다.

영화의 주된 내용은 주제, 이미지, 역설, 질문, 절대목표, 혹은 동사, 혹은 사건의 형태로 나타낼 수 있다.

9.절대목표

어떤 사람의 절대목표(초목표, 삶의 욕구, 추구하는 바, 중심궤적-등장인물에 대한 해결책)는 대개 전혀 바뀌지 않는다.

변모의 가장 중요한 점은 그것이 깨달음의 형태가 아니라 사건의 형태로 나타난다는 것이다.

인간의 본질을 이루는 것은 그가 하는 행동이다.

10.정리

시나리오의 주된 내용을 찾아냈으면 모든 사람들(스탶, 연기자)에게 전달해야 한다. 그리고 배우들에겐 여러분이 작성한 도표들을 보여주지 마라.

시나리오 분석 작업의 목적은 도표를 작성하는 것이 아니라 시나리오를 이해하는 것이다.

준비작업은 자신감과 순간몰입과 대처 능력을 기르기 위함이다.

노트, 계획, 도표는 창의력을 발휘하기 위한 도약판일 뿐이다.

정리;지문에 지나치게 신경쓰지 말고 관계에 집중하라. 형용사를 동사, 이미지, 사실, 사건, 그리고 물리적 삶으로 대체하라. 영화가 다루는 주된 내용, 그리고 등장인물들을 파악하라. 여러분의 생각을 뒷받침할 수 있는 증거를 찾아내라. 여러 경우를 대비해 여러 대안들을 갖추어 두어라. 시나리오를 끊임없이 반복해서 읽고 생각을 재검토하고 심화시켜라. 대부분의 배우들이 반응할 수 있는 지시는 통찰력을 보여주는 지시이다.

 

338.*캐스팅

오디션은 연기가 아니다. 오디션과 연기는 별개의 두 가지 기술이다.

등장인물에 대한 어떤 이상(관념)을 미리 머리 속에 그려놓고 그것과 일치하는 배우를 찾으려고 하면 안 된다.

1.배우의 능력;선천적 재능과 후천적 기술

①.직관적인 자질;감정의 폭과 유연성, 감수성, 지성, 듣는 능력, 생생하게 순간을 체험할 수 있는 능력, 정직할 수 있는 능력, 사람들이 지켜보는 가운데 내면적자유 및, 사적인 삶을 유지할 수 있는 능력, 창조된 현실 속으로 상상을 펼칠 수 있는 능력

②.연기기술;단순한 의도를 연기할 수 있는 능력, 대사의 표면적인 의미와 반대되게 연기할 수 있는 능력, 이미지를 만들어 낼 수 있는 능력, 구체적이고 통찰력있는 선택을 떠올리는 능력, 깔끔하고, 완전하고, 신빙성 있게 감정전환을 할 수 있는 능력

③.신체적 능력;목소리 및 동작의 폭, 유연성, 표현성, 그리고 기술

④.예술적 감수성;심미안, 본능, 유머감각, 균형감각

⑤.마음;대담함, 믿음, 책임감, 정서적 및 육체적 끈기, 연기하고픈 욕구

2.배역에 적합한 배우인가

자질을 먼저 따져야 하고 그의 인생경험, 지성, 감수성, 지식범위, 추구, 그리고 기술은 배역과 어느정도 연관성을 가져야 한다.

가능하면 캐스팅 감독을 기용하라.

배역에 특정 신체적 요건들이 따를 수 있다는 점을 분명히 밝혀두라.

3.함께 작업할 수 있는 배우인가?

최소한의 요건은 여러분의 지시를 받아들일 수 있는 배우를 캐스팅해야 한다. 즉 서로 의사를 소통할 수 있고, 서로 존경하며, 서로의 창의력을 촉발시키고, 자극하고, 지지해주어야 한다. 서로 영향주고 서로 즐거운 마음으로 서로를 위해 작업할 수 있어야 한다.

배우들 중에는 자존심 보다는 일을 앞세우는 자들이 있다. 그런 배우들을 찾아내어 함께 작업하라.

4.역할 뿐만 아니라 관계를 염두에 두고 캐스팅하라.

여러분이 시나리오 속의 관계들을 이해해야 함을 의미한다.

신인감독이라면 배역에 맞는 적절한 배우를 찾을 것이 아니라 배우에 어울리는 적절한 배역을 찾으면 되는 것이다. ‘어떻게 하면 성공할 수 있을까?’라고 생각하지 말고 ‘어떻게 하면 쌓아 나갈 수 있을까?’ 라고 생각하라. 캐스팅은 사냥이 아니라 농사라고 생각하라. 옳은 배우를 찾아내어 히트 칠 생각을 하지 말고 농작물을 경작한다고 생각하라.

오디션할 때 상대배우(비전문배우라도 상관없다.)를 붙여주어 듣기 능력을 테스트하는 것도 가장 중요한 것 중의 하나이다.

그래도 헛갈린다면 상대배우에게 배역을 다르게 읽으라고 지시(몰래) 한 다음 상대배우가 똑같이 한다면 유연성이 없고 듣지 않는다는 결론이다. 유연성이 있다면 상대배우의 연기가 변함에 따라 스스로도 변한다.

관객은 삶의 단면을 보려고 돈을 지불하는 것이 아니다. 또한 철저한 공상물도 만들지 않는다. 관객은 인물과 자신을 동일시할 수 있어야 하기 때문이다.

영화를 만든다는 것은 다른 무엇보다도 이야기를 전달하는 것이다. 그 이야기가 그럴듯하지 않은 것일수 있지만 그러나 진부한 것이어서는 안 된다. 드라미틱하고 일반적인 것이어야 한다.

결국 드라마라는 것은 재미없는 부분을 잘라 낸 인생과 다름없다. 그 다음 중요한 요인이 영화 제작의 테크닉인데 기교를 위한 기교는 안 된다.

테크닉은 극의 전개를 풍성하게 하는 것이어야 한다. 어떤 앵글을 촬영기사가 좋아한다고 해서 그걸 택하면 안 된다.

문제가 되는 유일한 것은 카메라를 주어진 앵글에 놓았을 때, 그 장면에 최대의 효과를 줄 수 있는가 하는 점이다.

영상과 움직임의 아름다움, 리듬과 효과, 이 모든 것은 바로 목적에 부합해야 한다.

먼저 해야할 일은 감정을 창출하는 것이고 그 다음은 창출한 그 감정을 유지하는 것이다.(특히 시점)

한 편의 영화가 적절히 계획 되기만 하면 굳이 영화의 긴장과 극적효과를 위해 배우들의 기교와 퍼스낼리티에 의존할 필요는 전혀없다.

배우가 갖추아야 할 중요한 요건은 아무 것도 하지 않는 것이다.(중립성 neutrality) 배우는 감독과 카메라에 의해 영화 속으로 기꺼이 통합되어야 한다. 배우는 카메라가 어디서 무엇을 강조하고 가장 효과적으로 극적인 긴장을 만들어 내든지간에 자신을 거기에 내맡겨 두어야 한다.

대사를 카메라와의 언어 language of the camera로 대체하라.

플롯보다는 상황이 중요하다.

맥거핀 macguffin;단순히 플롯을 끌고가기 위한 구실로 영화적 장치로서 속임수에 불과한 것이다. 즉 비밀 계획서나 문서, 암호 등 그 내용에 상관없이 이런 종류를 빼내오는 것을 총칭해서 부르는 용어. 대단히 중요한 것으로 보이게 하지만 기실 그 내용은 의미가 없다. 다시 말해 맥거핀이라는 것은 중요하거나 진지할 필요가 없을뿐더러 아무런 의미없이 하찮게 보이는 것이어도 괜찮다. 맥거핀은 아무런 의미가 없기 때문에 영화의 중간에 폭로하는 것이 좋다.(마지막 보다는)

영화 작가는 무엇인가를 말하려는 것이 아니라, 보여줄 뿐이다.

세부사항(detail) 중 어떤 것은 노력의 낭비라고 할지라도, 그런 것들이 영화에 힘을 주는 것이다. 그런 영화는 시대에 뒤떨어지지 않는 법이다.

영상의 크기(마스터 쇼트)는 극적인 효과를 위해 사용되는 것이지, 단지 배경을 보여주기 위한 것은 아니다.

c.s→f.s

극적인 순간에 유용하게 쓸수 있는 L.S은 낭비할 필요는 없다.

대본 작가의 가장 큰 잘못 중의 하나는 그가 어떤 어려움에 부딪쳤을 때 ‘대사 한 줄로 커버할 수 있다.’라고 말하는 것이다. 대사는 다른 여러소리 중의 하나로 단지 사람의 입에서 나오는 것일 뿐이어야 한다. 영상 측면에서 스토리를 말하는 것은 눈이다. 대사나 신체동작(어떤 연기도 아닌)도 아닌 눈이다.

인물이나 장소와 관련되는 요소를 최대한 이용하는 것(소품- 그 장소에 있는, 논리성)을 원칙으로 삼으라. 그런 요소들을 최대한 이용하지 않았을 경우는 해이했다는 증거다.

얼굴표정, 외모, 동작 등은 양식화 될 수 있지만 현실은 결코 양식화 될 수 없다. 실제 사건을 극화하면 현실로부터 멀어진다.

목표를 겨냥하지 말라. 재미있어하라. 이것은 세상에서 가장 멋진 직업이다.

인간을 통해 사물의 이치를 깊이 파헤치는 것

삶과 죽음 사이의 미묘한 균형을 찾아내는 것

사실 및 이미지들만을 말하고 설명적인 지시를 멀리할 필요가 있다.

등장인물이 독자적인 삶을 갖도록 하라. 단지 영화 속의 삶이 아니라 카메라 테두리 밖의 삶을 가지도록 하라.

삶에 대한 여러분 자신의 느낌 및 통찰들을 끌어들이는 것을 두려워 말라.

모험하고 실수하라. 그리고 다시 몸을 추슬러 재도전하라.

두려움에 이끌려서 행동하지 말라. ‘선택의 여지가 없었어!’ 라고 말하지 말라.

관객에 대한 목표(무억인가를 보여주려고)가 아니라 여러분의 영화를 어떤 한 사람에게 들려주는 이야기라고 생각하고 그 사람이 그 이야기에 관심과 공감을 가지도록 그 사람의 입장이 되어 느끼면서 모든 결정을 내려라. 여러분은 이야기를 들려주려는 여러분 자신의 욕구 보다는 이야기를 듣는 어떤 특정 인물에 집중함으로써 자기 속에 빠지는 것을 막을 수 있다.

자신감이 없을 때 움추려 들지 말고 당당하게 표현하라. 만약 너무 신중하게 행동한다면 말썽에 처해지지는 않겠지만 어느것도 이룰 수 없다.

마지막 순간까지 아이에게 대사를 줄 필요 없다.

웃음을 자아낼 수 있는 네가지 방식 즉 상황, 대사, 등장인물, 그리고 소품활용동작

목표를 찾아내기 위한 유용한 방법들

1.사실들을 살핀 뒤. ‘그런 상황에서 사람들은 무엇을 원하는 가?’라고 질문하라. 그런 뒤 그것에 대한 대답을 기록하라. 여러분 혹은 등장인물 혹은 합리적인 어떤 사람이 그런 상황에 처했을 때 원할 수 있는 부분에만 국한하지 말라. 여러분의 편견에 집착하지 말라. 여러분이 떠올릴 수 있는 최대한의 후보들을 기록하라.

2.행위를 살펴라. 등장인물이 하는 행동을 살펴라. 그가 하고 있다고 말하는 행동이 아니고 말이다.

3.그가 말하는 사물들. 다시 말해서 그의 이미지들을 살펴라. 그렇게 함으로서 우리는 등장인물의 잠재의식적인 관심, 즉 그가 원하지만 원한다는 사실을 모르는 대상들에 대한 단서를 확보 할 수 있다.

4.씬의 정서적 사건, 즉 그 씬에서 어떤 일이 일어나고, 어떤 식으로 결말이 나는지를 밝혀라. 등장인물은 그 사건이 일어나기를 바랬는가, 아니면 저지하기를 바랬는가?

5.사람들이 인생에서 원하는 것들, 즉 사랑, 자유, 권력, 지배, 모험, 편안함, 안락, 가정, 섹스, 돈, 존경, 명예 따위를 살펴라. 우리는 그 모든 것들을 원한다고 할 수 있을 것이다. 하지만 우리는 나머지 것들을 희생해서라도 그 중 몇 가지 것들을 갖고 싶어한다. 등장인물에게 중요한 것은 무엇인가? 그가 희생을 치루고서라도 갖고 싶어하는 것이 무엇인가? 그가 최대한의 노력을 기울여 피하려고 하는 것은 무엇인가? 그의 흥미를 끄는 것은 무엇인가?

6.여러분의 생각들을 연기가능한 형태로 고쳐라. ‘그는 그녀에게 마음이 끌린다.’라고 말하는 대신, 그것을 연기 가능한 형태인 ‘그는 그녀가 자신과 함께 자주기를 원한다.’로 고쳐라. ‘그는 자신의 좌절감을 분출하고 있다.’라고 말하는 대신 ‘그는 싸움을 걸고 싶어한다.’라고 말하라. ‘그는 누군가에게 말하고 싶어한다.’라고 말하지 말고. ‘그는 친구를 원한다.’라고 말하라.

7.여러분에게 아무 생각도 떠오르지 않는다면, 이렇게 스스로에게 이렇게 물어 보아라. ‘그는 상대방 인물이 좋은 감정을 느끼기를 원하는가, 아니면 나쁜 감정을 느끼기를 원하는가?

목표가 너무나도 확실하다고 생각되면 정반대의 목표를 생각하라.

목표는 다른 등장인물들을 개입시키면서 나름의 심리적 장애물을 만들어 내야만 한다. 그것은 배우가 공감하고 추구할 수 있는 것이어야 하고 그것이 반드시 사실적일 필요는 없다.

 

339.*리허설

리허설의 기능은 배우들이 기계적으로 따라야할 ‘점 이어 그리기’ 식의 도식을 준비하는 것이 아니라 시나리오의 가능성을 파헤치고, 시나리오의 정서적 및 물리적 구성을 발견하고, 배우들에게 연기하도록 방임을 부여하는 것이다.

리허설은 연기가 아니다. 리허설의 목적은 특정한 연기방식을 고정시켜 놓는 것이 아니라 카메라 앞에서 어떻게 하면 효과적인 연기를 할 수 있을지에 대한 아이디어를 떠올리는 것이다. 여러분이 추구하는 것은 정보지 연기가 아니라 그것을 과정으로 이해하고 취급해야 한다.

배우들이 오디션이나 첫 대사 읽기 모임 때 훌륭하게 했다는 것은 그들이 훌륭하게 할 능력을 가졌다는 것을 의미하지 이미 훌륭한 연기를 했다는 것을 의미하지는 않는다.

리허설의 진정한 목적은 배우가 지닌 정서 및 상상의 ‘근육’을 풀어주어 긴장하거나 힘들이지 않고 연기를 펼칠 수 있도록 해주는 것이다.

긴장 없이, 감정과 상상의 새로운 정보를 끊임없이 떠올리고, 순간을 생생하게 체험하고, 연기를 신선하게 하고, ‘옳게’ 연기해야 한다는 강박감에서 벗어나고, 자신의 방어 무너뜨리고, 자신의 연기를 억제하고 통제하는 것 멈추게 하고, 연기한다는 표시 안내며 연기하고, 단순하고, 직감적으로, 순간의 진실한 감정상태에 머물도록 연기하도록...

여러분이 최종적으로 캐스팅하게 될 배우들에게 있어서 오디션 과정은 첫 리허설과 마찬가지라는 사실을 잊지 말라.

배우에게 먼저 그 만의 방식으로 하라고 지시. 그런다음 다르게 해보라고 지시. 그러나 계속 똑같은 방식으로 읽는(연기)다면 꽝이다.

가장 먼저 살펴보는 것은 배우의 능력(배우가 취하는 선택이다. 창의적인지, 구체적인지, 절실한지 살펴야 하고), 배역에 적합한지(시나리오의 어떤 점에 반응하는지 그런 것들을 살펴야지, 연기가 아니다.) 가늠할 수 있다.

배우가 여러분의 지시 없이는(정의 내려주길 등장인물에 대해) 대사 읽기를 꺼린다면 겁먹고 있다는 증거다.

또한 여러분은 배우가 이미지를 말할 때 정말 무엇인가를 떠올리면서 말하는지 살펴야 하고 또한 감정전환도 살펴야 한다.

특히 항상 관찰해야 하는 것은 듣기와 순간적인 생생함이다.

2차 소집(call back);배우들끼리 짝을 지어 상대 배우가 바뀔 때마다 서로 어떻게 교류하는지 관찰하라(화학반응)-교류능력

중요한 점은 등장인물이나 그의 경험 중에 배우의 상상력을 사로잡을 만한 무엇인가가 있어야 한다.

여러분이 찾아내야 하는 것은 여러분이 연출할 필요조차 없는 완벽한 배우가 아니라 너무나도 즐거움을 주는 장점을 지니고 있기에 단점은 감수할 수 있는 그런 배우이다.

1.리허설 계획

리허설에서 무엇을 얻고 싶은지 알고 준비해야 한다.

시나리오 분석할 때 다함께 모여 리허설 할 씬들을 체계적으로 분류해 놓아라. 여러 씬에 걸쳐 행동이 연속적으로 이어지는 부분을 찾아 놓아라. 그래야 배우들이 감정의 구체적 계기를 통일성 있게 유지할 수 있다.

리허설 계획표는 시나리오 분석 도구들을 요약해서 정리해 놓은 것이다. 그 계획표를 리허설 장소에 가져가지 마라

리허설 계획표

①.영화가 다루는 내용이 무엇인지에 대한 여러분의 생각, 영화가 여러분에게 개인적으로 의미하는 바

②.모든 등장인물들의 절대목표 및 변모

③.각 씬의 사실들, 이미지들, 그리고 그것이 제기하는 의문점들

④.각 씬이 다루는 주된 내용, 그것의 정서적 사건, 그리고 그것이 시나리오의 전개, 혹은 스토리 속에서 차지하는 역할

⑤.가능성 있는 ‘감정의 구체적 계기들’ 거기에는 각 등장인물의 목표에 대한 후보들과 ‘뒷 이야기 선택을 통한 심리상황’에 대한 아이디어들이 포함된다.

⑥.각 씬의 비트들(시작, 중간, 마지막) 각 비트의 화제 및 사건, 각 비트를 어떻게 처리할 것인가에 대한 여러분의 생각(행동동사, 가정적 심리상황)

⑦.씬의 물리적 삶과 씬의 구체적 사건

⑧.여러분이 행한 조사, 그리고 미처 하지 못한 조사

⑨.리허설 방식, 여러분이 리허설을 통해 얻고자 하는 것, 여러분이 머리 속에 그리는 절차

⑩.블로킹 도표

2.전 출연진이 모여 대사 읽기

목적은 영화에 대한 흥미유발, 배우들 서로에 대해, 시나리오에 대해 유대관계 만들기 위해, 문자가 말로 표현되는 것 들어보기 위해서이다.

①.배우들 서로에게 소개시켜 준다.(자신을 소개하라고 지시할 수도)

②.시나리오의 의미에 대해 말하라.

③.여러분의 의지와 자신감 드러내라.

④.어떤 식의 연기를 원한다고 말하라.

⑤.그들에게 여러분이 중요시하는 점들을 말하라.

⑥.리허설 진행계획을 말하라.

⑦.그들의 생각과 문제점들 듣고 싫다고 말하라. 특히 아이디어와 고칠점 개인적으로 말해주기 바란다.

⑧.출연진 갖추게 된 것 행운으로 느낀다고 반드시 말하라.

⑨.대본 읽기 기본 원칙을 들려 주어라(연기를 위한 모임이 아니라 즐겁게 서로 알기를 원한다.)

⑩.지문 읽을 사람 정해 놓아라.

3.씬 리허설

완벽함 추구하려는 태도 경계, 영감 떠올리려 애쓰지 마라, 신빙성에 초점 맞추라, 대사 외우기를 기대하지 마라.

목표

①.배우가 듣고, 정직하게 연기하고 자신을 활용하고 시나리오를 진실되게 느낄 수 있도록 유도하는 것이다.

②.시나리오를 탐구하고(개별 대사의 의문점, 문제점, 가능한 의미 탐구) 씬의 구성(사건, 감정의 구체적 계기, 비트)을 해결하는 것이다.

③.씬의 블로킹을 정하고 물리적 삶을 찾아내는 것이다.

④.배우와 감독간의 관계 다지고 의사전달체계를 세우고 배우의 아이디어를 듣고 그의 저항감을 알아내는 것이다.

⑴.시작에 앞서서 하는 말

①.5분 동안 그 씬에 대해(주제, 목표설정) 말하라

②.배우들에게 질문이나 의견이 있는지 물어 보라

③.배우들에게 지시에 앞서서 절대 5분 이상 말하지 마라.

④.재빨리 씬 읽기를 실시하라.

⑵.처음으로 씬을 읽을 때

소박하고, 자유롭고, 대화하듯이 시작하라

연기와 신체동작 하지 말고 단지 듣고 말하기만 하라(서로 관계를 맺으면서) 정서적 갈등이나 어떤 태도를 취해서는 안된다.

이때 리허설은 배우들이 시나리오와 서로에 대해 익숙해 지는 시간을 말한다.

⑶.감정의 구체적 계기

등장인물의 감정의 구체적 계기 through-line 를 찾아내는 일은 씬의 구조를 해결하기 위한 첫 걸음이다.

그 씬에서 등장인물에게 어떤 일이 일어나는 지에 대해 배우의 생각을 들어 보아라. 그것은 배우에게 정직함과 에너지, 공감대를 제공한다. 그의 생각을 반박하지 마라. 대신 그의 생각을 발전시켜 나가라.

리허설은 생각들을 시험해 보는 기회이다. 따라서 배우들의 생각들도 시험해 보라. 또한 즉흥연기도 처리해 보아라.

여러분은 여러분의 지위 또는 자존심과 관련된 두려움을 떨쳐 버려야 한다. 시나리오 분석을 통해 리허설 준비를 철저히 했던 목적은 여러분의 생각을 확고하게 굳히기 위해서가 아니다. 대신 긴장을 풀고 마음을 열기 위해서이다. 그럴 경우 배우가 제시하는 생각은 위협으로 느껴지지 않고 오히려 여러분의 권위를 살려주고 강화시켜 줄 것이다.

질문을 던지는 것은 훌륭한 연출기법이다. 목적은 배우가 여러분의 지시를 자신의 것으로 만들도록, 즉 그것이 자신의 아이디어였다고 느끼도록 만드는 것이다. 되도록 이면 배우들에게 자세히 설명해 주지 말아라.

배우가 질문에 대한 대답을 하지 못할 경우를 대비해 여러분 자신의 질문에 대한 대답을 준비해 놓고 있으라. 배우는 감독 자신이 아무 생각도 가지고 있지 않는 경우를 가증스러워 한다.

가끔 리허설이 끝나갈 때 쯤 감정의 구체적 계기를 일러주는 것이 유용할 때도 있지만, 먼저 감정의 구체적 계기를 찾아낸 뒤 단일 감정 단위 layer 및 비트들을 덧붙이는 것이 대체로 통용되는 원칙이다.

감정의 구체적 계기를 이루는 토대는 그의 주어진 상황, 그의 사실들, 혹은 그의 처지이다. 또는 뒷 이야기를 간단히 떠올리는 것만으로도 된다..

여러분은 느낌의 차원에서 스토리를 공감할 수 있어야 한다. 하지만 배우들에게 어떤 식으로 느껴야 하는지 지시하지 마라.

여러분의 도구들, 즉 사실, 이미지, 사건, 동사, 물리적인 세부사항을 활용하라. 여러분은 상상 속에서 등장인물과 배우의 입장이 되어 보고 자신의 경험을 적절하게 얘기해 줘라. 그럴 경우 배우는 여러분이 그 씬을 절실하게 공감하고 있음을 알게 될 것이며 자신 또한 나름의 공감대를 만들어 내려고 노력할 것이다.

감정의 구체적 계기에 도달하는 또 다른 방법은 등장인물의 목표 혹은 욕구를 통해서다. 그럴 경우 인물의 어떤 인물인가에 대해 토론하지 말고 그의 행위(원하는 것 그것 얻기 위한 행동)를 살펴야 한다.

모든 인물은 언제나 하나의 목표를 지니고 있으며 그 목표는 자주 변하지 않는다. 또한 모든 씬에는 매 등장인물 마다 하나씩의 목표를 가지고 있다. 그렇기 때문에 목표는 감정의 구체적 계기를 만들어 내는 유용한 방법이 된다. 또한 등장인물에 대해 배우와 의논할 수 있는 계기를 제공할 수 있다.

여러분은 지시를 내릴 때 이 도구들 중(가정적 심리상황, 은유, 이미지, 논란거리, 등장인물의 1차 관심, 혹은 우선과제, 그의 문제, 그의 서브텍스트, 혹은 그의 물리적 삶) 단 하나만을 사용해야 한다.

⑷.단일 감정 단위

배우들에게 너무 많은 것을 한꺼번에 지시하지 말고 단일 감정단위 layer 및 단락(비트)으로 나누어 작업하라.

잘 안될 경우, 단일 감정단위 하나를 추가하던지, 그것 대신 ~로 바꾸어서 하라. 그리고 배우와 선택에 관해 의논할 때 그의 눈이 반짝거리는지 살펴라. 어떤 질문이나 지시 내릴 때 배우가 멍하거나 겁먹은 표정으로 반응한다면 재빨리 ‘아니면 ~ 다음과 같은 상황일수도 있어요’라고 말하라. 그런뒤 다른 생각이나 다른 질문 떠올려라.

배우는 반드시 따라갈 수 있는 선택을 해야한다. 희망사항은 배우의 상상을 사로잡는 선택이 시나리오의 핵심을 찌르는 선택이어야 한다는 것이다.

⑸.비트로 나누어 작업하기

큰 비트는 리허설 단위로도 사용될 수 있다.

듣기 확실하게 하고 감정의 구체적 계기를 절실히 공감하도록 하기 위해 전체 씬을 한두번 연습한 뒤에는 씬을 비트로 나누어라. 다시 말해서 단락을 나누어 작업하라

모든 씬은 대개 2-3개의 큰 비트로 나누어 진다.

리허설의 핵심은 모든 비트의 내용 설명 뒤 씬 전체 리허설 하지마라. 반드시 하나의 비트씩 떼어내 그것에만 관심을 집중해서 작업하라.

리허설 동안 여러분은 문제시되는 대사를 탐구하고, 이미지를 가다듬고, 서브텍스트를 끌어내고, 사건을 만들어내고, 감정전환점들을 설정하고, 물건들을 처리하고, 행위 및 행동을 찾아내야 한다. 또한 씬을 구성해야 하며 정서적 삶을 통해 블로킹 및 페이스 조절을 결정해야 한다.

한편 여러분은 시나리오의 대사 및 행동을 중심으로 연상, 서브텍스트, 이미지, 그리고 상황 등을 잘 섞어 훌륭한 요리를 만들어 내야한다. 여러분은 질문을 던지고, 여러분 자신의 상상을 통한 연상 및 개인적인 추억, 그리고 이미지들을 활용해야 한다. 또한 여러분이 살아오면서 관찰했던 여러 행위들을 활용하고 리허설 동안 배우들이 나타내는 표정과 몸짓에 대해 논평해야 한다. 그렇게 한 다음에 여러분은 연출작업에 들어가야 한다.

4.리허설을 위한 지침

리허설 동안 우리가 추구하는 것은 씬의 구조를 만들어 냄과 동시에 배우의 흥미를 끌수 있는 선택을 찾아내는 것이다. 우리가 추구하는 것은 연기가 아니라 연기를 이끄는 방법들이다.

리허설 동안 배우들은 탐구하고, 대사 이면의 감정상태를 체험하고, 가정적 심리상태 및 감정 전환점을 찾아내고 상대 배우와의 교류(영적)를 구축해야 한다. 또한 작은 목소리로 하면 안 된다. 그것은 ‘옳게’ 하려고 노심초사하거나 모험하는 것을 두려워 하기 때문이다. 아니면 절실하게 느낄 수 있는 선택을 발견하지 못했음을 의미할 수도 있다.

여러분은 똑같은 지시 반복하는지 살펴라.

①.그것은 지시가 효과적이지 못하거나(자신을 나무라라)

②.배우가 지시 이해하지 못하거나

③.배우가 지시에 저항감 느낀다는 의미

④.지시가 혼란스럽거나 지나치게 복잡하다는 단서

사교적인 잡담과 신체언어를 포함하여 여러분이 배우들과 나누는 모든 의사소통은 배우와 감독 관계의 일부를 이룬다. 즉 배우의 면전에서 하는 모든 말, 혹은 모든 행동은 사실상의 연출지시라 할 수 있다.

명령의 언어가 아니라 방임의 언어로 지시하라.

훌륭한 지시는 우회적이고 대수롭지 않은 듯이 나온다. 만약 감독이 어떤 생각에 대해 지나치게 열의를 가질 경우 배우들은 옳게 처리해야 한다는 압박감을 느낀다. 그들은 제대로 처리하지 못할까봐 겁을 먹는다.

연출지시

‘만약~라고 가정하면 어떨까요?’

‘이렇게 한번 시도해 봅시다.’

‘이렇게 하면 어떨까요?’

‘이것이 괜찮게 나올지 한번 봅시다.’

‘이 부분에 대해 어떤 생각이 떠올랐어요...’

‘그런데 여기 재미있는 점이 또 한가지 있군요.’

‘이것은 별 효력이 없을 수도 있어요.’

‘당신이 했던 무엇인가가 내게 어떤 아이디어를 주었어요.’

너무 연기 드러내지 말라는 것보다 ‘대사와 반대되게 연기하라’

감정을 강하게 밀어 붙이는 것보다 좀 더 깊이 파헤치라고 말하라.

좀 더 활발하게→좀 더 자유롭게

연기를 늦추라→연기를 단순하게

‘이 단어에 강세를 두세요’라고 말하지 마라. 대신 그 단어 너머의 이미지, 사실을 떠올리라고 하라.

대사를 어떻게 말할지 질문은 ‘당신 말은 이 대사가 무엇을 의미하는지 알고 싶다는 뜻이겠죠? 한번 살펴 봅시다.’

인물에 대해 태도 감정 제시할 경우 ‘그것에 대한 동사를 찾아봅시다.’

배우들을 칭찬하지 말고 ‘잘되어가고 있군요.’ ‘제대로 가고 있군요.’ ‘그런 방향으로 계속해 나갑시다.’

배우들이 서로에게 지시를 하거나 흥정하지 못하게 하라. ‘당신은 그것에 대해 걱정할 필요 없어요. 내가 그것을 처리할 수 있어요.’

배우들의 아이디어를 환영한다고 밝혀라. 하지만 다른 사람에게 전달되어서는 안 된다.

만약 역량이 떨어지는 배우와 작업한다면 가능한한 그를 단순하게 만드는 일에 집중하라.

창의력을 발휘하라. 여러분은 해결책을 찾기위해 배우의 도움을 받아야 한다. 여러분의 척도는 그 씬의 진실이어야지, 여러분의 의지를 강요하려는 욕구여서는 안 된다.

긴장을 풀어라. 배우에게 전달될 수 있다. 스스로 편안하고 에너지가 흐르도록 하라(활력)

리허설 방법을 연습하는 동안 감정의 구체적 계기와 각각의 비트를 세 가지 다른 방식으로 시도해 볼 것을 강력하게 권한다.

5.즉흥연기

즉흥연기는 리허설 동안 대사를 변경하거나 추가시키기 위해 이따금씩 사용된다.

리허설 도구의 하나로서 즉흥연기는 배우들이 역할 속으로 들어가 등장인물의 세계 속에 자리를 잡도록 도움을 줄 수 있다. 배우의 가장 핵심적이고 까다로운 과제들 중 하나는 자신이 읽고 암기하고 리허설한 대사를 마치 처음 말하듯 말하는 것이다. 그렇게 할 수 있으려면 배우는 순간 체험적인 자신의 정서적 삶 또는 서브텍스트를 즉흥적으로 느끼지 않으면 안 된다. 그것은 신성한 도구이며, 잠재의식적으로 통하는 문이다.

즉흥연습

①.바꾸어 말하기.

자신의 말로 바꾸어 표현하라고 유도할 수 있다.

②.사실들을 바탕으로 한 즉흥연기

씬의 단순한 사실들을 끄집어 내어 시킨다.

조건 a.부정해서는 안된다.

b.의무감 가져서는 안된다.

주어진 대사를 사용하면 안된다.

이 연습은 아무 틀이 없이 탐구해 나가는 접근방법을 취한다. 이 연습을 통해 여러분은 등장인물들의 목표, 그들간의 주요관계, 그들의 서브텍스트, 그리고 그들의 논란거리에 대해 알게되고 또한 통찰력을 가질 수 있다. 또한 여러 가능한 감정상태들을 떠올릴 수 있다.

③.뒷이야기를 만들어 내기 위한 즉흥연습

등장인물들의 과거에 대해 즉흥연습을 시킬수도 있다.

관념적으로 토론을 벌이는 것보다 더 도움이 된다.

④.씬 바로 직전의 비트

씬이 시작하기 바로 직전에 일어났던 일들을 즉흥연기. 그럴 경우 그 씬은 ‘어떤 일이 진행되는 과정’에 놓이게 될 것이다.

⑤.유사한 사건, 혹은 관계 가정의 내용을 실제로 즉흥연기

의도를 떠올리기 위해서도 실시할 수 있다.

⑥.무언의 즉흥연습

촬영할 때 매우 유용. ‘액션’ 전에 서로 교감하면서 작업 준비

⑦.‘제3의 등장인물’을 염두에 둔 즉흥연습

언급하거나 생각하는 인물이 실제로 등장하여 연기

⑧.서로 역할 바꾸는 즉흥연습

⑨.높고 낮은 지위 맡아 즉흥연습

⑩.즉흥적으로 즉흥연습을 실시하라.

나름대로 설정하되 관념적이고 심리설명적이 아니라 물리적이고 구체적이 되도록하라.

즉흥적으로 떠올린 대사 써 먹자고 하면 ‘좋아요. 당연하죠. 그것을 덧붙입시다. 하지만 그것을 서브텍스트로 덧 붙입시다.’

즉흥연습은 연기가 아니라 그것은 여러 연기 가능한 선택들(상상을 통한 뒷이야기, 목표, 가정적 심리상황, 서브텍스트)에 대한 정보를 제공한다. 그 정보를 잡아내어 연출에 활용하라.

6.블로킹;물건과 신체동작

blocking은 주변환경에 대한 등장인물들의 관계이고 ‘소품 활용동작’ stage business은 물건들에 대한 등장인물들의 관계이다. 이것들은 등장인물들의 내면적 삶을 물리적으로 표현하고, 씬의 사건들을 조명하고, 생생한 현실감을 부여해야 한다.

제대로 된 마스터 쇼트의 장점 가운데 하나는 그것이 있음으로 해서 배우들이 대사를 겹쳐 말할 수 있다는 것이다. 대사를 겹쳐 말하면서 상대방 배우와 자유롭게 연기할 기회가 주어진다면 신선하고, 자유롭고, 살아있는 연기의 가능성이 엄청나게 커질 것이다.

자유롭게 연기할 기회가 주어진다면 신선하고, 자유롭고, 살아있는 연기의 가능성이 엄청나게 커질 것이다.

리허설 때 충동적 행동은 잘 노트했다가 촬영 때 써 먹어라.

시나리오 분석할 때 배우들의 여러 동작을 떠올렸을 것이다. 리허설은 그런 생각들이 효과적인지 알아내는 기회이다. 만약 효과적이지 않다면 그 생각들을 조정하는 기회이기도 하다. 그리고 리허설은 배우들에게 그 생각들을 자신의 것으로 만들 수 있는 기회를 제공한다.

리허설 때 물건을 활용하라. 물건은 배우의 강력한 도구 가운데 하나이다.

시나리오 분석 때 떠오른 아이디어들은 도약판일 뿐이지 청사진은 아니다. 아닐 경우 과감히 버려라.

그 씬에서 배우들이 움직일 수 있는 방법을 최소한 세 개 찾아내라. 여러분이 이 작업을 마치기(리허설을 끝내기) 전 까지는 쇼트 분할(list), 혹은 스토리 보드 작업을 해서는 안 된다.

폭행과 섹스는 아무 감정없이 블로킹 표시를 해가면서 실행한다.

매번 비트 변화가 일어날 때마다 어떤 동작이 있거나, 행동동사가 변화하거나, 페이스가 바뀜으로써 그것을 강조할 경우가 많다. 이렇듯 비트 전환점을 물리적으로 강조할 경우, 관객들은 보다 쉽게 스토리를 쫒아갈 수 있다.

7.저항감

저항감을 다루는 최선의 방법은 배우가 무심결에 내리는 평가를 표면화시키는 것이다.

저항감 나타내는 배우에게는 용기를 주고, 물어보고, 자신과 의논하자고 권유하라. 또한 그들의 프라이버시를 존중하라.

여러분은 싫다고 말해놓고 어떻게든 지시에 따르는 배우를 택하겠는가, 아니면 좋다고 말해놓고 지시대로 하지않는 배우를 택하겠는가?

때로는 저항감을 나타내는 배우에게 방임하면서 시간을 주는 것도 효과적이다.

여러분은 어떤 배우를 까다로운 배우라고 생각하는 대신, 까다로운 문제에 대한 배우라고 생각해야 한다.

배우 때문에 겪는 모든 문제를 예술적 문제로 취급하라. 그렇게 할 경우 여러분은 배우의 신경증에 말려들지 않을 것이다. 하지만 관계에서 물러서서는 안 된다.

저항감을 바깥으로 드러냈을 때(여러분을 신뢰하고 있다는 반증이다.)

‘이 문제가 떠오른 것이 다행이군요.’

‘당신이 이 문제를 제기해서 다행입니다.’

배우들은 자신들이 잘못 캐스팅 되었다고 느낄 때 겁을 먹기 쉽다. 감독은 마음에 안들어도 책임감을 느껴야 되고 배역에 가장 적합한 사람이라고 생각하면서 작업하라. 그리고 그를 도와주고 마음껏 방임을 부여하겠다고 의사를 주지시켜라.

배우들이 감독을 평가하며 그의 능력을 믿지 않고 연출 지시를 받아들이지 않을 경우 그것을 개인적으로 받아들이지 마라. 항상 일에 초점을 맞추고 자존심이나 사사로운 문제에 흔들려선 안 된다.

스타는 어느 배우 못지않게 연기지도를 필요로 한다.

바른 말을 해주는 사람(신뢰감-감독)이 필요하다.

뛰어난 배우들에게 위축 당하지 마라.

배우들과 작업할 때 여러분은 여러분의 생각을 쫒도록 그들을 교묘하게 조정해서는 안 된다. 그들이 주어진 상황을 연기하는데 필요한 모험을 마음껏 펼칠 수 있도록 안전한 분위기를 만들어 주어야 한다.

여러분이 배우에게 질문을 던졌다면 대답에 귀를 기울이되 그 이면의 의미를 찾아내야 한다.

배우가 여러분에게 질문을 던질 경우, 질문에 대답하는 것보다 더 중요한 것은 질문 자체에 귀를 기울이는 것이다. 질문 속에 감추어진 의미는 무엇일까? 그는 어떤 생각을 하고 있을까?

배우들은 끊임없이 확인을 필요로 한다. 만약 배우가 감독으로부터 끊임없는 확인과 예민하고도 솔직한 지적(이해 가능하고 따를 수 있는)을 받지 못할 경우 그는 다른 부적당한 사람들에게로 눈을 돌려 조언을 구한다. 그럴 경우 착각해서는 안 된다. 배우가 혼자 알아서 하기 때문에 여러분의 관심을 필요로 하지 않는 것처럼 보일 때, 그것은 안심할 상황이 아니라 위험신호일 가능성이 높다.

배우가 마음을 걸어 잠그도록 만들지 마라. 간혹 배우가 속임수, 다른 허튼 방식으로 연기할 경우 그들을 끈질기게 물어 늘어지고 이의를 제기하고 심지어는 정면으로 맞설 필요가 있다. 하지만 논쟁을 벌이지 마라. 논쟁은 관계를 보다 비관적으로 바라보도록 만들기 쉽다.

어떤 경우든지 아무하고도 논쟁을 벌이지 마라. 또한 배우가 어떤 짓을 하더라도 그들을 사랑하라. 심지어는 까다로운 배우들까지도 사랑하라.

무조건적인 사랑을 주어라. 문제에 부딪쳤을 때, 여러분은 여러분의 가슴 속을 파헤쳐 여러분의 심장을 꺼내보일 각오까지도 되어 있음을 배우들에게 주지 시켜라.

8.에피소드식 TV 시리즈

9.정리

시나리오 분석 때의 노트를 리허설 때 그대로 들려 주어선 안 된다.

시나리오 분석은 준비작업에 불과하다. 리허설 동안 여러분은 임기응변 식으로 작업해야 한다. 가장 좋은 일은 여러분의 생각이 변할 수 있다는 것이다. 따라서 계속 모험을 하고 계속 선택을 내려라.

어떤 생각이 효과적이지 못할 때 실패라고 생각하지 마라. 앞으로 나아갈 기회라고 생각하라. 유머감각을 유지하라. 무언가 유용한 말이 떠오르지 않으면 아무 말도 하지마라.

리허설은 여러 의문점이 남겨진 채 끝나야 한다. 만약 연기와 함께 리허설을 마무리 짓는다면 배우는 리허설 때 연기 지키느라 애쓸 것이다.(연습도 안하고) 그들은 그때부터(리허설 끝날 때) 비로소 연기를 펼칠 준비를 갖춘 채 연습하고 연구하고 촬영에 임할 것이다.

리허설이 5일 이상 주어진다면 아무 감정상태를 취하지 않은채 각 씬을 읽어라. 씬의 사실들, 뒷이야기, 씬 직전의 비트, 목표 등을 활용하여 즉흥연습을 하라. 여러 다양한 감정의 구체적 계기를 가지고 씬을 연습하라. 그중 적어도 한 가지는 여러분 모두가 틀렸다고 생각하는 것이어야 한다.

비트 단위로 작업하면서 움직임과 물건들을 생각해내고 사건들을 만들어내라. 감정이 채워지지 않는 순간들을 살핀 뒤 그것들을 해결하라. 시나리오의 전체 이미지를 떠올려라.

만약 시간이 없다면 배우들이 서로 교류할 수 있도록 편안한 자세로 함께 대사를 읽은 뒤, 간단한 동작 및, 물건들을 생각해 내라, 거짓되게 느껴지는 순간들을 찾아낸 뒤, 그것들을 해결하라.